Academia de Bellas Artes de Santa Cecilia

Federico Mompou (1883-1987) fue un compositor español, famoso por la extrema sencillez y refinamiento de sus composiciones para piano con una marcada influencia francesa. Mompou estudió piano en el Conservatorio del Liceo de Barcelona , pero en 1911 se trasladó a París atraído por las obras de Gabriel Fauré . Estuvo muy influido por Claude Debussy y Erik Satie . Mompou, que era conocido por su carácter estremadamente tímido, abandonó la carrera de concertista a temprana edad, y concentró toda su actividad profesional en la composición. Pasó su vida viajando entre París, su hogar musical, y Barcelona. Cuando estalló la I Guerra Mundial se estableció en Barcelona, pero en 1921 volvió a París, donde permaneció durante 20 años. En 1941 regresó a Barcelona. Fue elegido miembro de la Real Academia de San Jordi y de la Real Academia de San Fernando y Caballero de las Artes y las Letras. En su primera estancia en París, Mompou desarrolló un estilo propio de composición que él denominó «...

La expresión «Pop Art» designa un movimiento artístico que se desarrolló desde finales de la década de 1950 hasta comienzos de la de 1970, sobre todo en Gran Bretaña y los EE. UU., y que se apoyaba en la imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular. Historietas ilustradas, anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine formaban parte de la iconografía de ese movimiento ; un rasgo distintivo del «Pop Art» , fue el rechazo de cualquier diferenciación entre el buen gusto y el malo. En los EE. UU., el «Pop Art» se consideró al principio como una reacción frente al «Expresionismo Abstracto» , porque sus exponentes volvían a exhibir la imaginería figurativa y empleaban técnicas muy precisas, casi fotográficas. Su inspiración más inmediata fue la obra de JasperJohns y Robert Rauschenberg , que abrió paso a una amplia gama temática. Sin embargo, aunque se servían de temas similares, los artistas "Pop" preferían emplear técnicas comerciales en lugar de la...

El «arte cinético» ("Kinetic art") y el «arte óptico» ("Op-Art) son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el «arte cinético» también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. En este estilo artísitico, se intensifica la percepción del movimiento y la relatividad de la obra frente al observador, y cuando surgió a mediados del siglo XX, se intentó representar de manera tangible la cuarta dimensión, manifestando la interacción del tiempo, el espacio, la energía, las vibraciones cuánticas, el movimiento, la fragmentación de la luz y la participación activa del observador. Tales efectos se manifiestan vivamente en “Vonal-ksz” de Víctor Vassarely . Desde aquel t...

A nuestro parecer las dos figuras más relevantes del « hiperrealismo » español son los pintores Antonio López y Eduardo Naranjo , quizás Eduardo Naranjo es un poco menos conocido para el gran público. Nació en Monesterio, Badajoz, en 1944. A los 15 años, en 1959, gana el Primer Premio del Certamen Juvenil de Arte, de Badajoz. Estudia en La Escuela Superior de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, de Sevilla y en la de San Fernando de Madrid, donde se le concede el Premio de Estado en Retrato y el premio de dibujo Luis de Morales en 1972. Es miembro numerario de la Real Academia de Extremadura desde 1991 y ese mismo año recibe la Medalla de Oro de Extremadura. Su obra es inquietante, compleja. Su dibujo es perfecto, trascendente e ilusorio al que contribuyen una luz especial y un colorido austero. Se trata de un realismo metafórico, fantástico y muy imaginativo. (Pulse con el botón izquierdo del ratón sobre la ilustración y entrará en una galería con destacados cuadros de Ed...

El «hiperrealismo» pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Es una de las tendencias artísticas del momento actual, conocido también como realismo fotográfico o realismo radical. El «hiperrealismo» es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. Nacido en la costa oeste de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el «hiperrealismo» se promovió en Europa por la "V Documenta" (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Udo Kulterman presentó en París bajo ese nombre. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. También existe el genero denominado «Fotorrealismo» que consiste en hacer un cuadro a partir de una fotografía, y se considera una v...

Por la mañana me llamó Lina para preguntarme si podía venir por la tarde acompañada de una amiga. Me incomodó un poco pues yo tenía la intención de dedicar la tarde a ver unas antiguas diapositivas de algunas de las creaciones de Berthe Morisot . Esta artista ─que es considerada como la primera pintora impresionista ─ fue excluida y considerada, con un gran tufillo despectivo, como del grupo de "artistas femeninas" sólo porque sus temas eran los de la vida cotidiana: escenas domésticas, mujeres y niños. Morisot seguía las preceptivas impresionistas con gran fidelidad y pintaba lo que veía en su vida normal, lo inmediato y vivo. En realidad, creo, que significó un punto critico y revolucionario, pues Morisot marcó una senda y demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.  Ella decidió dedicarse al arte a pesar de los inconvenientes por ser mujer de la alta burguesía, de ciudad, e interesada por la moda y de activa vida social. Berthe Morisot ...

Desde una visión literaria la "Escritura automática" es un método defendido y utilizado y usado principalmente por André Breton y los surrealistas , en la primera mitad del siglo XX.  La «escritura automática» se entiende como el proceso o resultado de la escritura que no es generada por los pensamientos conscientes de la persona que escribe. Se trata de una manera de hacer que aflore el subconsciente del individuo. La práctica consistiría en situar el instrumento de escritura sobre el papel y comenzar a escribir, dejando manar los pensamientos sin ninguna constricción moral, social ni de ningún tipo. Es un intento de componer directamente desde el inconsciente, liberado de la censura, considerando que de esa forma el yo del poeta se manifiesta libre de cualquier represión y dejando crecer el poder creador del hombre fuera de cualquier influjo coercitivo o represor.

El «Arte Generativo» es una modalidad artística que aún está poco definida y que ha recibido aportaciones de artistas de dominios muy diferentes, como son Brian Eno , Adrian Ward, Joshua Davis o Casey Reas . Las primeras obras más de «Arte Generativo» pertenecen a la época pre-digital, si bien es cierto que han experimentado una gran evolución con la llegada de los ordenadores. Muchas de las obras anteriores a los ordenadores han sido rápidamente retomadas y reformuladas haciendo uso de esta nueva herramienta. En el vídeo que sigue podrán ver una revisión de la historia del «Arte Generativo» , incluyendo un debate sobre las diferentes perspectivas desde las que puede abordarse. Se hace una pequeña introducción a la computación para entender sus aportaciones al «Arte Generativo» , y se muestran y analizan algunas de las piezas precursoras, así como algunos de los ejemplos más recientes y representativos. También se debate sobre las diferentes formas de distribución, y finalmente s...

Uno de los artistas estadounidenses más representativos del siglo XX es el pintor figurativo George Tooker (1920-2011), cuyas obras se encuadran dentro de los movimientos denominados "realismo social" y "realismo mágico" .  Desde pequeño muestra un talento excepcional para el dibujo y la pintura y, aunque su deseo es asistir a una escuela de arte, termina especializándose en literatura inglesa por la Universidad de Harvard para respetar el deseo de sus padres.  A pesar de esta decisión, nunca abandona su verdadera pasión y dedica gran parte de su tiempo a pintar.  Su primera exposición individual tiene lugar en el año 1951 en la galería Edwin Hewitt de Nueva York y  es comparado con pintores como Andrew Wyeth, Edward Hopper o Cadmo Pablo. Destacado y reconocido pintor, fue miembro de la Academia Nacional de Diseño y de la Academia América de Arte y  Letra. Preocupado por los problemas sociales, se considera un observador de la sociedad y plasma en sus pin...

No hemos tenido ocasión de ver ninguna presentación a través de Internet tan original y con tanta perfeccción técnica como la que proponemos ver a continuación.  Se trata de una increíble exposición virtual interactiva sobre la obra del célebre pintor impresionista francés Claude Monet (1840-1926).  (Para entrar en la exposición virtual de Monet pulsen con el botón izquierdo del ratón sobre el autorretrato del pintor)

Antonio Canova (Possagno, 1757 – Venecia, 1822), pintor y escultor, representante del Neoclasicismo ,  que trabajó para Papas, reyes y poderosos, llegó a ser el escultor más conocido de su época. Cultivó todo tipo de temas, desde el funerario, al mitológico, pasando por el retrato. Pero si algo destaca de Canova es que su inspiración nace de los modelos de la antigua  Grecia y Roma. Desde muy niño muestra sus dotes para la talla. Criado por su abuelo, a los pocos años entra en una cantera para aprender un oficio y es allí donde  empieza  a esculpir estatuillas con especial gracia. Casi inmediatamente es  acogido como alumno por el maestro Coballa en la ciudad de Venecia, gracias a la intercesión del senador Blaz. Ya con 16 años, y ante la muerte de su maestro, su valedor y protector, el senador Blaz, le encarga una obra escultórica de grandes dimensiones, tarea enorme que no desalienta a nuestro joven artista y crea la maravillosa "Orfeo y Eurídice", q...

En las últimas décadas del siglo XVIII surgió el Romanticismo , una reacción que otorgaba importancia al sentimiento contra la tradición neoclásica basada en un conjunto de normas estereoatipadas. El Romanticismo empezó como un movimiento literario y filosófico pero pronto implicó a las bellas artes. La libertad auténtica, las aspiraciones individuales, los sentimientos, la emoción y el ambiente se enfatizaron, con una celebración de lo remoto, lo tempestuoso y lo exótico.

Cuando hablamos del retrato en el siglo XX no podemos olvidar a una de sus más grandes figuras, la estadounidense Alice Neel (1900-1984). Sí hay algo que caracteriza a Neel es fuerte conciencia social que transmite en sus obras con una franqueza apabullante. Sus pinturas destacan por su profundidad psicológica e intensidad emocional y el uso expresionista de la línea y del color. Esta reconocida retratista, casi desconocida para el gran público, también abarcó otros temas como los paisajes y las naturalezas muertas.  En sus inicios, su estilo personal y sus convicciones a la hora de pintar generó muchas críticas a su obra ya que no se ajustaba a los cánones de cultura de su época. Estuvo prácticamente desaparecida de las galerías durante los años 50 y gran parte de los 60, pero a finales de esa década se intensificó el interés por Alice Neel , hasta convertirse en un icono feminista. La sinceridad y la verdad de su pintura ha conseguido que algunos críticos la definan como ...

Nosotros nos hacemos con frecuencia dos preguntas que los esteticistas no responden nunca de forma clara: ¿Qué clase de objetos pueden ser clasificados como obras de arte? ¿Cuáles son las formas de arte válidas, y por qué lo son? Contestar a estas preguntas, ciertamente, es una cuestión muy vinculada a la definición de arte que cada uno acepte y tenga.  Me hacía éstas, y otras preguntas, viendo la entrevista que le hicieron a Carlos Pazos, el Premio Nacional de Artes Plásticas 2004, para la revista digital " Hoyesarte.com " cuando presentó, en la Galería "Michel Soskine" de Madrid, su trabajo más reciente bajo el título «Poso de Batallas» . Ahí podemos encontrar guitarras de juguete, discos viejos de vinilo, muñecas flamencas, bolas, bombillas, fichas de damas y de otros juegos, teléfonos antiguos...  estos son algunas de las cosas que él llama “ferozmente inútiles” que componen los montajes y piezas del creativo catalán. Carlos Pazos en la Galería ...

La filosofía Zen , si es que la podemos llamar así, exige de sus adeptos una atención perfecta, total, y continuada. Cuando el que practica el Zen, saca agua del pozo, corta leña, o realiza actividades de índole más creativa como escribir o pintar, etc. continúa practicándolo. De esta manera el Zen ha hallado en las artes un terreno propicio para desarrollarse. Los caracteres del arte Zen fueron establecidos por el maestro Hisamatu Shin’ichi . Son los siguientes:      1) La asimetría.   2) La simplicidad.   3) La austeridad.   4) Lo natural.   5) La sutilidad.   6) La libertad absoluta.   7) La serenidad.  De hecho, cuando se contempla una pintura Zen, un jardín Zen, una casa Zen, un ramo Zen, se hallan estos caracteres. Puede decirse también que allí se revela una mezcla de ciencia y espontaneidad, de rigor y automatismo, que proporcionan un aire incomparable y «diferente». Pues no se trata ni de restaurar l...

El arte del siglo XX también se nutrió de una extensa terminología para, con ella, intentar describir los movimientos, periodos, tendencias y estilos que se estaban originando. El término «Performance» se difundió en las artes plásticas a partir de la locución: «Performance art» con la que se quería expresar la idea de "arte vivo". Se podría decir que una «Performance» es una muestra escénica que realiza un individuo, o varios, en un lugar determinado y durante un espacio de tiempo concreto, en la que se trata de provocar o sorprender al improvisado público. La «Performance», a la que también podríamos denominar "acción artística", puede tener lugar en cualquier sitio, comenzar en cualquier instante y tener una duración indeterminada. La «Performance» siempre intenta, de una u otra forma, asombrar al público ya sea sea a tenor de su temática o de a tenor de su peculiar sentido estético. Como la «Performance» se realiza y produce en vivo y exis...

William Michel Harnett (1848-1893) fue un pintor estadounidense de origen irlandés, de estilo realista, famoso por sus naturalezas muertas y por su hábil uso del efecto visual conocido como « trampantojo ». Mirar las obras de Harnett es un viaje hacia la melancolía, sus cuadros nos presentan un mundo de objetos situados en un ambiente nostálgico y pausado, que invitan a la contemplación serena. Vemos en ellos cosas sencillas, elementos cotidianos pero que reflejan a personas de cierta categoría intelectual. En su epoca se estaban produciendo los primeros cambios de la sociedad hacia la modernidad y el nuevo siglo, eran los inicios de la casi eclosión industrial en la economia de EE.UU. Podemos observar en sus cuadros un testimonio claro del paso del tiempo, la idea constante del "tempus fugit", vemos también las huellas del desgaste en las cosas por el uso continuo; bisagras mohosas, viejos papeles, pintura descascarillada... cosas que quizás aludan a los cambios ...

La «Escuela de la Bauhaus» no fue un movimiento artístico de gran duración pero, a pesar de ello, fue muy influyente. Este movimiento abordaba la arquitectura, la pintura, la escultura, la ebanisteria, el diseño de mobiliario, el trabajo textil y el diseño industrial y técnico. Muchos afirman que la «Bauhaus» surgió como una reacción en contra de los recargados estilos de las artes aplicadas de las últimas décadas del siglo XIX. El movimiento se desarrolló a inicios del siglo XX guiado e inspirado por Walter Gropius, arquitecto y diseñador alemán que estaba influido por las ideas de John Ruskin y Willian Morris, pero, a diferencia de estos, Gropius no rechazaba las tecnologias nacientes, sino que trató de encontrar formas de armonizar los métodos técnicos e industriales con el diseño artístico. Junto con otros artistas de su grupo intentó unir la FORMA y la FUNCIÓN en las artes aplicadas, la arquitectura y el diseño. Talleres de la Escuela de la Bauhaus en Dessau (1925) E...