miércoles, 29 de noviembre de 2017

EL MUNDO DE LA MÚSICA. Cap. XV. La música española siglos XIX y XX (2)

Ópera Nacional:
Más ardua resultó la creación de una ópera nacional, a pesar de los esfuerzos de  Felipe Pedrell y Tomás Bretón.
Felipe Pedrell (1841-1922)
Las condiciones en las que podría darse la ópera en España fueron  motivo de profundos estudios por parte de Felipe Pedrell, compositor y musicólogo español, que se esforzó en revalorizar a los maestros antiguos y las fuentes folklóricas de la música española. De tales fuentes habría de surgir el teatro verdaderamente español. Si Pedrell no consiguió su aspiración máxima la creación de la ópera nacional y ser el Wagner español -, la música y la cultura le deben la creación de la musicología moderna, la edición de las obras maestras de nuestra música clásica - a él debemos la publicación de las obras completas de Tomás Luis de Victoria -, y la revalorización de la canción popular española. En 1873 fue director adjunto de la compañía de ópera Barcelona, con ella consiguió ver representadas, en el Gran Teatro del Liceo, sus óperas El último Abencerraje  y Quasimodo.

 Ya en Madrid, donde se instaló, escribió una serie de artículos en la revista España musical, publicó su famoso folleto Por nuestra música, los opúsculos Apuntes y observaciones sobre estética musical, y la Gramática musical. Fue nombrado académico de Bellas Artes. Gracias a su labor como musicólogo y a su magisterio como pedagogo en el Conservatorio de Madrid, sus escritos y las lecciones a sus alumnos. Algunos de ellos tan importantes como Isaac Albéniz, Manuel de Falla y Enrique Granados, han contribuido a la creación de la escuela nacional española y a las características distintivas de su música.
Felipe Pedrell aplicó sus teorías en la composición de una trilogía titulada Los Pirineos: Los Pirineos, El conde Arnau y La Celestina, obra en la que funde armonía e instrumentación con los elementos más típicos de la tradición musical española - canciones populares, villancicos, polifonía cristiana y la melopea mozárabe -, con abundancia de recursos temáticos, al modo wagneriano, cuyas características artísticas han sido posteriormente asumidas por Manuel de Falla, fidelísimo amigo y seguidor de sus tendencias, le dedicó un recuerdo emocionado en la Pedrielana de su suite Homenajes.
Con Albéniz, Granados y Falla, la música española logra resonancia internacional. Su música hace acto de presencia en todas las salas de concierto del mundo y, principalmente, la forma pianística desempeñara un papel importante en la fisonomía musical de su tiempo.



Tomás Bretón  (1850-1923)
Fundador de la Unión Artístico Musical (1876), director del Conservatorio de Madrid, de la Orquesta Sinfónica de Madrid y de la Sociedad de Concierto, y académico de Bellas Artes de San Fernando. Su lucha en pro de la consecución de una ópera nacional no obtuvo el respaldo esperado por él, pese al éxito duradero de sus óperas La Dolores y Los amantes de Teruel.
Lo que le pasó a Tomás Bretón ilustra claramente la situación de la música española de su época. La única de sus óperas que consiguió estrenar en el Teatro Real de Madrid fue Los amantes de Teruel. Para que se la aceptaran tuvo que traducirla al italiano. En cambio, La Dolores obtuvo un clamoroso éxito con más  de ciento veinte representaciones en Barcelona, por lo que figura, junto con  La vida breve de Falla, entre las óperas más representadas del repertorio español.

En el terreno de la zarzuela, el acierto de la Verbena de la Paloma, no ha sido superado por ninguna otra.
También en la música sinfónica, en un momento en el que el sinfonismo español era inexistente, ayudo a Barbieri y creó varias composiciones sinfónicas  de un pintoresco nacionalismo que no llega a la altura de Albéniz pero que, en algunas obras como el Concierto para violín y orquesta, se acerca al sinfonismo europeo de su época. En la música de cámara destaca la calidad de su Cuarteto de cuerda nº3, que debería ser de obligado repertorio, al menos, en España.


Otras obras suyas:
§  Óperas:
Guzmán el bueno, Garín, Raquel; El certamen de Cremona; Tabaré;  
Don Gil; La dolores; y Los amantes de Teruel (éstas dos ya mencionadas)
§  Zarzuelas:
Los dos caminos; El viaje a Europa; El bautizo de Pepín; El clavel rojo;
La verbena de la Paloma; El campanero de Begoña; Las percheleras;
El domingo de Ramos.
§  Orquesta:
El Apocalipsis (con coro); Los Galeotes; Salamanca; En la Alhambra;
Elegía y añoranza; Escenas andaluzas; Concierto para violín y orquesta.
§  Música de cámara:
Trío de cuerda; Cuartetos de cuerda (3); Quinteto y Sexteto



Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826)
           
A principios del siglo XIX, la música instrumental en España registra el nombre de Juan Crisóstomo Arriaga, que se distinguió con sus tres cuartetos de cuerda, una sinfonía y una fuga a ocho voces. Su prematura muerte frustró las esperanzas de un talento prodigioso, verdaderamente  prometedor y español.
Nacido en Bilbao, hijo de un organista, comenzó de niño sus estudios musicales con el violinista bilbaíno Fausto Sanz, en los que demostró una precocidad  asombrosa. A pesar de su corta vida, sólo veinte años, ha dejado una huella imborrable en la música española. En su música, de estilo clásico, se puede intuir alguna ráfaga expresiva que nos haga pensar que, de no haberse producido su muerte tan temprana, su estilo hubiera evolucionado y España hubiera colocado un gran nombre entre los grandes compositores del Romanticismo.
            A los once años ya compuso el Octeto Nada y Mucho para dos violines, viola, violonchelo, contrabajo, guitarra, trompa y piano, que contiene melodías expresivas en sus dos tiempos: Andante mosso y polaca. Un año más tarde compuso un Noneto u Obertura, Op.1, para dos violines, viola contrabajo, flauta, dos clarinetes y dos trompas, obra encabezada por un poema que dedicó a la Academia Filarmónica de Bilbao.
Poco después, sobre un texto del escritor catalán Luciano Comella, Arriaga compuso la ópera Los esclavos felices, representada (1819) con enorme éxito en Bilbao. Obra de la que, en su biografía, Joseph Fetis dijo:
<< Sin tener ningún conocimiento de la armonía, escribió una ópera en español en la que se descubrían ideas encantadoras y completamente originales>>.
Sólo la Obertura ha llegado hasta nosotros y, por cierto, es música bella, inspirada y admirablemente escrita; una preciosa muestra de música orquestal española del clasicismo para colocar al mismo nivel de la posterior Sinfonía.

Después de esta ópera, en 1820, compuso un Tema variado para cuarteto de cuerda, y un quinteto de cuerda: O Salutaris, para tres voces masculinas. Al año siguiente escribió otra obra vocal-instrumental – Stabat Mater -, una Obertura  para orquesta  y La Húngara, tema con variaciones para violín y bajo continuo, firmadas el 4 de agosto de 1821, fueron las últimas obras escritas por Arriaga antes de marcharse a París.
A los quince años de edad, el 26 de septiembre de 1821, marchó a París con la intención de ingresar en el Conservatorio, donde solicitó ser inscrito como alumno de Joseph Fetis en la clase de contrapunto y fuga.  Al año siguiente pidió ser admitido en la clase de violín, primero con Guerin y luego con Pierre Baillot.
Se dice que presentó a Cherubini, director del Conservatorio, el StabatMater compuesto cuando era un adolescente, y al examinarlo exclamó:
<< ¡Asombroso! Tú eres la música misma>>.
Durante su estancia en París, no cabe duda alguna, compuso sus obras maestras:
-Tres cuartetos, en Re menor, La mayor y Mi bemol  (Primer libro de cuatro) a los que Fétis se refirió con estas palabras:
<< Es imposible imaginar nada más original, más elegante, más puramente escritos que estos cuartetos>>.
El musicólogo Ángel Sagardía dice de ellos:
<<Hay que destacar que Arriaga los compuso a una edad que ningún otro compositor escribió tal forma musical, ni siquiera Beethoven. En ellos se aprecian acentos de carácter romántico similares a los que años más tarde imprimió Schubert a los suyos, mostrando así su genialidad y personalidad, pues si bien conocía las obras de Haydn y Mozart, apenas había escuchado a Beethoven y aún menos a Schubert>>.
- Sinfonía en Re menor, compuesta entre 1824 y 1825 inmediatamente después de los tres cuartetos, comparte con ellos el honor de representar lo más acabado y bello que un compositor español aportó al clasicismo.
<<El primer tiempo de la sinfonía comienza con el adagio en Re mayor, seguido por el allegro en Re menor, donde los temas aparecen en la cuerda. El segundo tiempo es interpretado por los violines y completado por la cuerda. Su cambio a Fa menor, le da un aire patético, sombrío, que parece presentir procedimientos de Weber. El andante en La mayor, es de matices tranquilos, delicados, con cierto perfume campesino. El segundo tema posee cierto carácter romántico, como de romanza sin palabras. El minueto es sencillo y gracioso. El último tiempo, Allegro con moto, es verdaderamente inspirado y perfecto de construcción; contiene acertadas combinaciones rítmicas, correcta armonía, sutiles digresiones tonales, interesantes imitaciones y sobriedad en la instrumentación que corona brillantemente la sinfonía>>.


- Obertura de Los Esclavos felices (versión revisada)
- Estudios o Caprichos para piano (tres).
- Edipo, aria para tenor con acompañamiento de orquesta.
- Medea, aria para soprano, tenor y orquesta.
- A la aurora, para tenor y bajo con orquesta
- Erminia y Agar: serie de páginas cantadas, arias o escenas que parecen ensayos de composición teatral u operística. La primera es una escena basada en Tasso, y Agar, la segunda, una escena sobre el pasaje bíblico referido a la esclava de Abraham, de un dramatismo impresionante, tal vez su última composición.
Academia de bellas Artes Santa Cecilia

martes, 28 de noviembre de 2017

MANUEL MANZORRO, PINTOR Y GRABADOR

 Manuel Manzorro Pérez. Pintor-grabador

Manuel Manzorro, nacido en Vejer de la Frontera (Cádiz).España.

Pintor-Grabador.  Profesor-Doctor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.   Realiza sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla, Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, y culmina sus estudios artísticos en la especialidad de Grabado, Litografía y Pintura Mural en la Escuela Superior de Bellas Artes de París, donde es becado por el  Gobierno Español durante cuatro años(1962-1966).

 1967-68._  Por sus brillantes estudios  obtiene diversos premios y recompensas, y al finalizarlos gana la prestigiosa beca Juan March  para la realización de su obra “Campo, Pueblo y Tauromaquia”, investigación en las diferentes Técnicas de Estampación.

1968._    Obtiene la 1ª medalla en el “XVII Salón Internacional del Grabado, Homenaje a Goya” en Madrid.

 1969-73._  En calidad de Profesor invitado por el Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Ottawa (Canadá), funda el Taller de Grabado y Litografía. Dicha Universidad le recompensa por “méritos  excepcionales en la docencia y en la Investigación”.
   
1974-75._   La Fundación Juan March le concede por 2ª vez la “beca de Investigación en el Extranjero”, para desarrollar el tema “Exploración en las Técnicas Experimentales del Grabado a través de las resinas y otros productos sintéticos”. Investigación que desarrolla en el Centro Internacional del Grabado: “Pratt Graphics Center” de Nueva York EE.UU y otros centros de esta capital.
   
1976._        La “Christie’s  Contemporary  Art” se interesa  por su obra gráfica.Obtiene el Premio de la Dirección General del Patrimonio Artístico y Cultural en la “XXII Exposición Internacional de Grabado”, en Madrid.

1977._        Es nombrado por la Real Academia de Bellas Artes de Madrid: Director de la Calcografía Nacional.
   
1978._   En el “XVIII  Salón de Otoño 1978 de Sevilla”, obtiene el Premio Guadalquivir de Grabado. Es seleccionado para la V y  VI Bienal Internacional del Grabado de Florencia y para el “XXIII salón Internacional de Grabado y Sistemas de Estampación” de Madrid.
    
1ª Medalla "Homenaje a Goya" Salón Internacional de Grabado de Madrid
La Fundación Juan March, sin precedente y de forma excepcional, le concede por 3ª vez la beca de investigación para desarrollar el Tema: “Técnicas Tradicionales y Actuales del Grabado”. LaFundación publica en la “Serie Universitaria” una síntesis de la mencionada investigación.
   
    1980._   Crea el “Taller Experimental de Grabado y Litografía” en la Escuela de Artes Aplicadas de Sevilla. Gana por concurso-oposición la Cátedra  de “Las Técnicas de Ilustración del Libro” en dicha Escuela.
   
    1982._   Obtiene la plaza de Profesor Asociado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, donde imparte “Historia y Técnica del Grabado y de la Litografía”.

    1986._  Es  nombrado  Coordinador   del Departamento de Grabado. Con la  calificación  “cum laude”  obtiene el título de Doctor en Bellas Artes, con la tesis “Litografía y Técnicas Experimentales del Grabado”.
   

  
  1989._   Por concurso-oposición  gana la plaza de profesor titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, donde crea el “Grupo Experimental de Estampación”, proyecto de investigación en las diferentes técnicas del Grabado y de la Litografía.

Realiza el Proyecto (Orientación, Estructuración y Programa) de un Taller   Experimental de Litografía en Cádiz.
   
    1993._   Obtiene el primer “Premio Nacional de Grabado del Ateneo de Sevilla”, en el Certamen Andaluz de Bellas Artes.
    
    1994._  Es  invitado  al prestigioso e Internacional “Tamarind  Institute Workshop” de la Universidad de Alburquerque, N. M. (USA), a un curso de técnicas experimentales  en la Litografía sobre aluminio.
Imparte la conferencia: “Técnicas Experimentales del Grabado” en el Museo del Grabado de Marbella y en la Universidad de Huelva.
   
    1996._  Expone su obra “Grabados, Dibujos y Pinturas”, en el Centro Cultural Alfonso X el Sabio, de la localidad  gaditana de El Puerto de Santa María).

    1998._  Realiza la exposición  didáctica :“Celebración del II centenario del Invento de la Litografía” en la Fundación Ruiz Mateo. Conferencias, coloquios, videos y diapositivas, sobre la historia y técnicas de la Litografía.
Es invitado al Simposio Internacional de Artes Plásticas, por la Academia de Bellas Artes de Reggio Calabria(Italia).   
   
    1999._   La Escuela Libre de Artes Plásticas, de Priego de Córdoba, le invita para impartir el curso: “Una aproximación a la Litografía como forma de Expresión Artística.
       

2000._Es invitado como expositor y conferenciante por el National Taiwan Arts Education Institute,  a colaborar al “Y2K International Exhibition of Prins”. Los temas desarrollados: “Demostración del proceso técnico de la Litografía”. “¿Qué es una Litografía?”. “Goya y Picasso, dos momentos estelares en la Historia de la Estampación Original”. Estos temas han sido traducidos y publicados en chino y en inglés.
   
La “Japanese Printmaking Association” le invita a participar en la “International Printmaking Exhibition 2000”, en Yokhoma (Japón).
  
                   Imparte en la Escuela Libre de Artes Plásticas de Priego de Córdoba el curso:”Técnicas tradicionales, experimentales y mixtas en el Grabado”, y la Conferencia  “Goya y Picasso, Grabados y Litografías”.
  
 Participa como expositor y conferenciante en la Feria Internacional de Arte de Ciudad Real, con la Conferencia: ”Goya y Picasso, maestros experimentales del Grabado y de la Litografía”.
     

2001._ Imparte  el curso de  verano: ”Técnicas Experimentales”  en la Escuela Libre de Artes Plásticas de Priego de Córdoba, y las Conferencias:  395 Aniversario del Nacimiento de Rembrandt” e “Influencia de Rembrandt en Goya y Picasso”.
   
   2002._   Exposición Individual en la Galería Internacional de Arte Jean Claude Bergeron, en la ciudad de Otawa (Canadá). Conferencia sobre: “La Collagraphy, técnica experimental del grabado”.
   
                   Imparte el curso de verano en la Escuela libre de Artes Plásticas de Priego de Córdoba. Conferencias: “El 396 Aniversario del Nacimiento de Rembrandt” y  “La Litografía  y su proceso técnico”.
   
Es invitado por el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea, en Betanzos (Galicia), para impartir el curso: “La Litografía en relación a otras Técnicas de Estampación”. Conferencia: “La Litografía como forma de Expresión Artística”, con proyección de videos y diapositivas.                                                                                                                           
  Colabora  en Taiwan  en  una “exposición colectiva” invitado por la Universidad donde imparte la conferencia: “Durero-Rembrandt y Goya-Picasso: cuatro momentos estelares en la historia de la Estampa-Original.                                                         
                                                                                                         
 2003._    Imparte los cursos de verano en Priego de Córdoba: “Técnicas Experimentales  del Grabado y Estampación Litográfica”. Conferencia: “Desarrollo histórico y técnico de la Litografía”.          

                 Es invitado por  la  “Academia de Santa Cecilia”  de El Puerto de Santa María  a impartir cursos de verano: “Teoría y Técnica del Grabado”. Conferencias: “Alberto Dudero-Rembrandt” y “Goya-Picasso”.


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ENCUENTROS EN LA ACADEMIA (333)

El “gnosiar”
     


      Hace una semana un amigo me contó esta bella historia y la repito tal cual.
      Un rey en un lejano país de Oriente, muy preocupado por el desarrollo de su pequeña nación pidió consejo a todos los sabios del reino, ¿qué se podía hacer para que sus amados súbditos ganasen sabiduría y conocimiento a fuer de convertirse en una nación avanzada?
      Recibió a muchos sabios y también muchas recomendaciones, pero nadie le convenció demasiado. A los pocos días sus consejeros le instaron a que recibiese a un monje, un eremita que habitaba en unas lejanas montañas y que, en aquellos días, visitaba el reino por primera vez. No lo dudó, e inmediatamente ordenó que llevasen al sabio ermitaño ante él.
      Le hizo la misma pregunta que había planteado a los otros; el barbudo, enjuto, y descuidado monje respondió rápido.
      ─El “gnosiar”, majestad.
      ─¿El “gnosiar”? ─interrogó con asombro─. ¿Qué es eso?
      El apergaminado cenobita sonrió, y esperó unos breves instantes antes de dar la respuesta:
      ─Su reverencia debería crear una moneda nueva, a la que llamaría “gnosiar”, no habría que fabricar, en principio, demasiada cantidad; una cifra prudente. Esa moneda serviría, única y exclusivamente, para una cosa: para pagar los conocimientos que alguien deseara adquirir. A su vez el que reciba ese singular dinero únicamente podrá darle idéntico uso: pagar clases para aprender lo que necesite, y así sucesivamente, desde sus súbditos menos formados hasta los más sapientes ─y luego de una pequeña pausa añadió lo siguiente─: Al igual que los movimientos de oro y plata enriquecen a unos y empobrecen a otros; los flujos de conocimiento proporcionarán beneficios para todos. El reino se transformará, progresivamente, en un gran imperio influyente más allá de sus fronteras.
      El rey, que escuchó al sabio con mucha atención, exclamó con entusiasmo:
      ─¡Claro, es cierto! ¡Así podríamos crear una cadena ininterrumpida de maravillosas transmisiones de sabiduría!
      ─De eso se trata, majestad ─y continuó hablando─. Además, siempre habrá que sumar un efecto más. Cada uno, no sólo se satisfará con la sabiduría que adquiera, sino también con la que transmita, puesto que ese esfuerzo de expandir saberes beneficiará igual tanto a quien lo hace como a quien recibe.
      ─Dime, noble sabio, ¿cómo aprendiste todo eso? ─preguntó con curiosidad el rey.
      ─Lo aprendí hace años en un lugar llamado Grecia, muy lejos de aquí, de un maestro que jamás podré olvidar. Él siempre nos decía: «Desearía que el conocimiento fuese de ese tipo de cosas que fluyen desde el recipiente que está lleno hasta los que permanecen vacíos».
      ─Ese hombre debería ser venerado por todos nosotros, ¿cómo se llamaba? ─dijo el rey.
      ─Sócrates, se llamaba Sócrates… Majestad.
Ignacio Pérez Blanquer
Académico de Santa Cecilia



jueves, 23 de noviembre de 2017

EL MUNDO DE LA MÚSICA. Cap. XV. La música española siglos XIX y XX (1)

La Música española siglos XIX y XX
Durante el periodo Barroco, España y Portugal permanecieron aislados de influencias foráneas, de modo que surgieron y prosperaron tradiciones musicales particulares y locales. Las formas remiten con frecuencia a modelos precedentes, sobre todo a la imitación y a la variación renacentistas, que se utilizan de un modo bastante flexible. Sobrevive una gran cantidad de música sacra de la época en formas muy variadas: misas en latín con uno o más coros y contrapunto imitativo. Pero es el villancico la forma más popular de música sacra. Se trata de obras vocales cortas de textos sagrados en lengua vernácula, con acompañamiento instrumental o no, destinados a una celebración religiosa. Suelen ser estróficos – la misma música se repite en cada estrofa -, e incluyen elaborados estribillos.
            Casi todos los compositores barrocos españoles compusieron villancicos, que se hallan depositados en los archivos catedralicios de Burgos, Salamanca, Segovia, Valladolid y Valencia.
            Las canciones profanas y teatrales del Barroco español, en concreto los Tonos Humanos  y las Tonadas, se basan en textos de los mejores poetas de la época. Gran parte de las partituras de estas canciones, se perdieron en el incendio, de1734, acaecido en el Alcázar de Madrid. Muchas de esas canciones se habían escrito para acompañar obras musicales estrenadas en la corte de Madrid. El arpa, el laúd y la guitarra eran los instrumentos de acompañamiento más usuales.
            La música italiana de Lully y Corelli era bien conocida en la España del siglo XVIII. Hay documentos que demuestran que hacia el año 1680, músicos italianos y franceses se presentaron en la corte real de Madrid. Doménico Scarlatti estuvo empleado en ella entre 1728 y 1757; y Farinelli, el célebre castrato italiano también causó furor, por su talento y por su prodigiosa voz para el arte del canto, en la corte española a comienzos del siglo XVIII.
El gusto musical italiano imperaba de tal modo en la España del siglo XIX que parecía condenada a la irrelevancia toda inspiración genuinamente española. Un español, Martín Soler (1756-1806), compositor valenciano que cultivaba este género de música, triunfó en Viena con el estreno de su ópera <<Una cosa rara ossia belleza ed onesta>> que durante varios meses eclipsó Las bodas de Fígaro de Mozart. Competir con Mozart, en Viena, demuestra hasta qué punto un artista español podía asimilar el estilo musical dominante de su época.

Esta corriente italianizante alcanzó su punto álgido con Rossini, cuyo estilo llegó a contagiar incluso a la misma música religiosa, como puede observarse en el Miserere de Hilarión Eslava. Resultaba prácticamente imposible imaginarse un teatro lírico de características nacionales. No obstante, como se sentía la necesidad de crear algo que fuera, al menos, un sucedáneo de lo que se echaba en falta, los valores propios buscaron refugio en un género menor que surgió para alcanzar, en breve tiempo, una extraordinaria difusión: La Tonadilla escénica.
La Tonadilla:
Pieza escénica de corta duración que alterna la música, el canto y el baile, de pura raigambre española, nacida del pueblo como viva y eficaz protesta contra las costumbres y los gustos extranjeros dominantes en la época, que admitía toda clase de asuntos y, que antes de italianizar su estilo, triunfaba porque, sobre todo, había logrado recoger el aire de la calle, incorporando a la escena personajes y elementos populares con los que la sociedad de la época se identificaba. La Tonadilla no era otra cosa que un simple coro a cuatro voces llamado un siglo antes “Cuatros de empezar”, conocidos también como “Tonos humanos”- para diferenciarlos de los Tonos Divinos que se cantaban en la iglesia - con los que daba comienzo la representación de la comedia. Estos Tonos eran cantados por cuatro mujeres ataviadas con trajes señoriles, e iban acompañados de instrumentación musical compuesta por cuatro violines, dos trompas, dos oboes y un contrabajo. La tonadilla escénica se difundió por toda la península y contribuyó a la formación de un lenguaje musical español que más tarde hallaría un campo más amplio en el desarrollo de un género genuinamente español: La Zarzuela.


La Zarzuela:
Obra escénica entre el drama y la ópera que en la parte declamada alterna con el canto, constituyendo un género teatro-musical semejante al francés “ópera comique”, al italiano “opereta”, al “musical play” inglés y al “singspiel” alemán, aunque conservando, a través de su evolución, el sello propio y fisonomía del elemento tradicional literario y musical que le caracteriza. El abolengo de este género no puede ser más antiguo e ilustre, pues nuestro teatro lírico tiene sus orígenes en las Églogas de Juan de la Encina (1468-1529), en las Farsas de     Lucas Fernández (1474-1542), y en los Autos del dramaturgo portugués Gil Vicente (1465-1537).
El nacimiento de la zarzuela puede asignarse con exactitud a 1629, fecha en la que, por primera vez, en el Real Sitio de la Zarzuela, se representó ante los reyes la égloga pastoril  La selva sin amor, texto de Lope de Vega y música del boloñés Filippo Piccini, considerada como la primera zarzuela, que no ópera, dándose desde entonces el nombre de Fiestas de la Zarzuela, a los eventos que allí se celebraban, y por ende al género de la nueva composición musical: Zarzuela.
            El musicólogo Antonio Peña y Goñi dice a este respecto:
<<El título de esta casa de campo de la Zarzuela, vino a englobar en una sola denominación los diversos géneros de obras dramáticas musicales que con anterioridad ya existían y eran espectáculos corrientes en nuestro país…>>.
            Tomás de Iriarte, en su poema La Música, así glosa a la zarzuela:
            Digna mención pudieras / haber hecho también de nuestro drama /
            que zarzuela se llama, / en que el discurso hablado
            ya con frecuentes arias se interpola, / ó ya con dúos, coro y recitado;
            cuya mezcla, si acaso se condena, / disculpa debe hallar en la española
            natural prontitud, acostumbrada / á una rápida acción de lances llena,
            en que la recitada cantinela / es rémora tal vez que no le agrada.
El texto de este poema induce a creer que es la zarzuela el espectáculo lírico predilecto por los españoles del siglo XVII, y que zarzuelas fueron, y no óperas, aquellas producciones que los eruditos consideraban óperas.
Algunos de los representantes más significativos de la Zarzuela son:
Manuel Bretón de los Herreros (1796-1863)
En colaboración con Basilio Basili, músico italiano por más inri, emprendió con denuedo la lucha contra la influencia musical italiana y, en 1839, con el estreno de El novio y el concierto, renace la zarzuela. Esta obra, en la que predominaban aires españoles también dejaba ver la influencia italiana, obtuvo un gran éxito y, con ella, la zarzuela entró en su mejor época.




Fco. Asenjo Barbieri (1823-1894)
El barberillo de Lavapiés; Pan y toros; Jugar con fuego; El bolero afligido;
Manuel Fdez. Caballero (1835-1906)
El dúo de la Africana; Gigantes y cabezudos; La Marsellesa; La viejecita;
Las dos princesas; La manta zamorana, Los hijos del capitán Grant…
Federico Chueca (1846-1908)
La Gran Vía; La alegría de la huerta; Cádiz; La canción de Lola;
Agua,azucarillos y aguardiente; Las mocitas del barrio;…

Ruperto Chapí  (1851-1909)
La tempestad; El milagro de la Virgen; Mujer y reina; La revoltosa
Las hijas del Zebedeo; El tambor de granaderos; El “puñao” de rosas;
La patria chica; La venta de Don Quijote; El barquillero…    

Amadeo Vives (1871-1932)
Don Lucas del Cigarral; Bohemios; Doña Francisquita; La gatita blanca;  El arte de ser bonita; La generala; La villana; Talismán; El señor Pandolfo;
Los flamencos; El duquesito o la corte de Versalles…
       
Federico Moreno Torroba (1891-1982)
Luisa Fernanda; La Marchenera; La ilustre moza; Los laureles; Polonesa; La niña del polisón; La Caramba y María Manuela…

Jacinto Guerrero (1895-1951)
La rosa del azafrán; La alsaciana; Los gavilanes; El huésped del sevillano;
Las mujeres de Lacuesta; El país de los tontos; La orgía dorada; El ama;
Don Quintín el Amargao; La sombra del Pilar; Las alondras, Martierra…

Pablo Sorozabal (1897-1988)
La del manojo de rosas; La tabernera del puerto; Katiuska; Los burladores;
La guitarra de Fígaro; Black, el Payaso; Adiós a la bohemia; Don Manolito y la eterna canción; La isla de las perlas; Entre Sevilla y Triana y Brindis.
Para orquesta:
Capricho español; Mendian y Txistulariak; Suite vasca; Variaciones sobre un canto popular y La casa de las tres muchachas.
Academia de Bellas Artes Santa Cecilia

miércoles, 22 de noviembre de 2017

Música Clásica. (Noches en los Jardines de España)

RECORDANDO A MANUEL DE FALLA EN EL 140 ANIVERSARIO DE SU NACIMIENTO

En este hermoso sábado de lluvia, que riega la tierra y la colma de riqueza. Escuchen esta música mágica de nuestro paisano, Manuel de Falla.




Es una obra muy novedosa para su tiempo, muy orgánica, muy refinada, muy amada por los pianistas, una obra maravillosa, de un lenguaje sofisticado, pinta esos paisajes de los jardines de España. Tiene que haber un entendimiento perfecto y profundo con el pianista, porque la orquesta no acompaña simplemente. Si el pianista no es consciente de que es parte de la orquesta la obra no funciona

Iniciada en París en 1909 y terminada en Sitges, en 1915. Falla comenzó esta pieza como un conjunto de nocturnos para piano solo, pero el pianista Ricardo Viñes le sugirió que transformara los nocturnos en una obra para piano y orquesta. Es una obra más expresiva que descriptiva, evocaciones en sonido, melancolía y misterio, estos términos sugieren impresionismo musical y Noches en los Jardines de España es, sin duda alguna, la obra más impresionista de Falla. Este primer movimiento describe el jardín del Generalife en el Palacio de la Alhambra de Granada.


Esta pieza es decisiva en la trayectoria de Falla y llega acompañada de su deseo de irse a vivir a Granada. En 1916 participó en el concierto de Noches en los Jardines de España en el Palacio de Carlos V, en la Alhambra, y por el silencio del lugar, su ensoñación, dijo: “quiero vivir aquí”. Vivió en Granada hasta su exilio. Tras la Guerra Civil se fue a Argentina, donde murió en 1946.

martes, 21 de noviembre de 2017

FESTIVIDAD DE SANTA CECILIA. Exposición pictórica: Churros con chocolate. Nov. 2017



Cada año, por la festividad de Santa Cecilia, la Academia organiza una serie de actos entre los que destaca una exposición pictórica. No hace falta que les recuerde que hemos tenido algunas realmente importantes.

Pero una exposición no se improvisa. Hacen falta muchas personas que durante meses diseñen, organicen  y atiendan  todos los detalles, que son muchos, para que luego, ustedes, al entrar en la sala, se encuentren cada cuadro en su sitio, con su luz adecuada. Si además es una exposición colectiva, los problemas se multiplican exponencialmente.

Esta exposición que les presentamos este año es muy original. Empezando por el título: “Churros con chocolate en un Recreo de El Puerto”. Una visión diferente del mismo paisaje.

La idea de reunir a 33 pintores gaditanos partió de un gran amante del arte, Eduardo Ruiz-Golluri, quien, tras invitar a desayunar churros con chocolate en una luminosa mañana de primavera, abrió el jardín de su magnífica casa para que cada artista captara su particular visión. Y hoy presentamos el resultado: diferentes técnicas, sensibilidades y maneras de abordar un paisaje. 33 variaciones de un mismo tema.

Pero además, “Churros con chocolate” se ha convertido en algo más. De esta iniciativa ha surgido un grupo muy activo de discusión, de apoyo, de relación entre este colectivo que cada vez está incluyendo a más artistas. Me parece  una iniciativa magnífica y les deseo a todos muchos éxitos.

Estoy segura de que la exposición de la Academia de Santa Cecilia de este año será, como en otras ocasiones, será una gran exposición. Es lo que esperamos. Les recuerdo que la inauguración será el martes 21 de noviembre a las 20.00 horas en el Centro Cultural Alfonso X el sabio. Los días de visita desde el 22 al 29 de noviembre. Les esperamos a todos.
Carmen Cebrián González. 
Presidente de la Academia de BB. AA. Santa Cecilia
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